PROGRAMME

James Tissot - Bal sur le pont - 1875 - © Tate Londres

 

Tissot, l’ambigu moderne

 

James Tissot  - autoportrait  -  1865  - © Fiane Arts Museum of San Francisco
 

Après un bon début de saison, riche en expositions remarquables (Léonard de Vinci, la Collection Alana, Toulouse-Lautrec, L’Âge d’or de la Peinture Anglaise, Mondrian figuratif…), on se réjouissait à l’idée de voir, à partir de mars/ avril, d’autres grands maîtres de la peinture (Turner, De Chirico, Cézanne, Matisse, L’École de Paris avec Chagall et Modigliani…) et  de grands photographes (Cindy Sherman, Sarah Moon, Marc Riboud, Man Ray…) mais brusquement, le 16 mars ,coup d’arrêt,  tout se fige, c’est le début du confinement pour cause de coronavirus.

L'exposition « James Tissot, l’ambigu moderne » , initialement prévue au Musée d’Orsay, du 24 mars au 19 juillet, devrait finalement ouvrir le 23 juin jusqu'au 13 septembre.

Né en 1836, à Nantes, de parents fortunés (père, riche drapier ; mère, fervente catholique bretonne), Tissot s’intéresse très jeune à la peinture et malgré l’opposition de son père, va, en 1856, faire des études aux Beaux-Arts de Paris, auprès de Flandrin et Lamothe. Il y rencontre Degas et fait la connaissance de Whistler. Ses maîtres le font travailler sur l’étude du nu et le dessin mais il est personnellement beaucoup plus attiré par la peinture flamande et germanique (Cranach, Dürer).

Dès 1859, année où, par anglophilie, il décide de troquer son prénom de « Jacques-Joseph » pour celui de « James », il est admis au Salon de Paris (portraits de femmes, scènes médiévales en costume).
 

James Tissot  -  Faust et Marguerite au jardin  - © RMN Musée d'Orsay.
 

En 1862, il découvre Londres où le Japonisme est à la mode puis il y travaille régulièrement comme caricaturiste politique (sous le nom de Coïdé) pour le magazine « Vanity Fair ». En 1864, il expose à la Royal Academy of Arts et commence à se faire des relations dans le milieu artistique et la bonne société de Londres.
 

    
James Tissot - Jeunes femmes admirant des objets japonais - © Cincinati Art Museum  -  © Getty Center
 

De retour à Paris, il exécute une toile représentant les douze membres d’un club fermé créé au début du Second Empire « Le Cercle de la rue Royale » (d’abord situé rue le Peletier dans le 9^e arrondissement) ; chacun des membres verse à Tissot la somme de 1 000 F pour la réalisation de cette œuvre exposée dans un salon du club. Il avait été décidé que cette toile reviendrait, par tirage au sort, à l’un des commanditaires en cas de dissolution du cercle.
 

James Tissot  -  Le Cercle de la rue Royale  - 1868  - © RMN - Musée d'Orsay.
De gauche à droite:
Comte de La Tour-D'auvergne - Marquis du Lau d'Allemans - Comte de Ganay - Capitaine Coleraine Vansittart - Marquis de Miramont - Comte de Rochechouart - Baron R. Hottinger - Marquis de Ganay -  Baron de St Maurice - Prince E. de Polignac - Marquis de Gallifet - Charles Haas.

En 1870, Tissot participe à la guerre franco-prussienne puis prend part à la Commune. Comme d’autres peintres français (Monet, Pissarro, Sisley…), il décide de quitter Paris et de s’installer à Londres. (pour lire « Les Impressionnistes à Londres- Artistes français en exil » suivre ce lien)

Si son anglophilie avait plu aux Parisiens, son côté parisien séduisit les Anglais et grâce aux relations précédemment établies en Grande-Bretagne, il s’assure très vite une nombreuse clientèle dans la haute société britannique. Il emménage dans une vaste villa à Saint John’s Wood (à l’ouest de la capitale) et devient le peintre de tous les élégants de Londres.

Sa passion pour les tissus, sa description détaillée des costumes (liées sans doute à la profession de son père) et l’importance des décors (scènes à bord de navires, dans des salons mondains) sont omniprésentes dans son œuvre.
 

James Tissot  - Octobre  - 1877  - © Musée des Arts Montréal.
 

Il fait la connaissance d’une divorcée irlandaise, Kathleen Newton qui devient sa compagne et sa muse. Elle sert de modèle à la plupart de ses personnages féminins. Tissot reste à Londres jusqu’au décès de sa maîtresse, morte de la tuberculose à 28 ans, en 1982. Il quitte alors définitivement Londres.

Malgré cet éloignement de la capitale française pendant plus de dix ans, il renoue dès son retour avec le succès, exposant au Palais de l’Industrie, en 1883, des portraits de femmes appartenant à diverses classes sociales ; il s’intéresse à l’occultisme très en vogue à l’époque et s’efforce d’entrer en contact par ce biais avec sa défunte compagne

En 1888, lors d’une visite à Saint-Sulpice, il a une révélation religieuse ; il effectue alors trois voyages à Jérusalem et en Palestine puis se consacre jusqu’à sa mort à l’illustration de la vie du Christ (aquarelles aujourd’hui au British Museum) et de l’Ancien Testament (œuvre inachevée, aujourd’hui au Jewish Museum de New York).
 

James Tissot  - L'Arche d'alliance traversant le Jourdain -  1896  -   © The Jewish Museum New York.
                                                 

Il passe les dernières années de sa vie dans le château familial de Buillon (Doubs) où il s’adonne à la photographie ; il y meurt en 1902.

Cet artiste, mal connu de ce côté-ci de la Manche, reste un peintre très difficile à classer ; d’abord attiré par la représentation de scènes médiévales avant d’être influencé par le Japonisme, puis de se consacrer à la peinture mondaine, il finit par l’illustration de scènes religieuses. Son œuvre revêt de multiples facettes ; Tissot conserve toute sa vie une totale indépendance artistique, refusant d’adhérer à tous les mouvements de l’époque (Degas avait sollicité sa participation à la première exposition impressionniste de 1874 et il l’avait refusée).

Cette exposition, présentée au Musée de la Légion d’Honneur de San Francisco, d’octobre 2019 à février 2020, sous le titre de « James Tissot : Fashion and Faith (Mode et Foi) » est à voir au Musée d'Orsay à partir du 23 juin et jusqu'au 13 septembre. L'accès au musée nécessitera un billet horodaté accessible sur le site d'Orsay à partir du 8 juin.

 

Hélène TANNENBAUM
 

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Musée d’Orsay

1, rue de la Légion d’Honneur
75007 Paris

Ouvert tous les jours sauf lundi
de 9 h 30 à 18 h (21 h 45 le jeudi)
 

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HARPER'S BAZAAR
 

Premier magazine de mode

 

Pour la réouverture de ses galeries de la mode (après des travaux de rénovation confiés à l’architecte Adrien Gardère, avec mise à nu de la pierre de taille des murs et l’installation d’un nouvel escalier pour accéder au niveau supérieur), le Musée des Arts Décoratifs (MAD) propose une exposition consacrée au magazine de mode américain « Harper’s Bazaar », vieux de plus de 150 ans, ce qui fait de lui le plus ancien magazine de mode existant.

Dans la première salle, il est rappelé que le premier magazine de mode ne date pas de 1867, année de la première parution de Harper’s Bazaar mais qu’il existait déjà au XVI^e siècle des almanachs présentant des personnes en costume civil, que Watteau avait peint des figures de mode et qu’il y avait déjà des gazettes de mode au XVIII^e siècle.
 

      
Page de couverture du magazine "Harper's Bazaar" en 1867                                                                   Figures de Mode de Watteau, Femme assise, vers 1710
 

A l’origine, ce sont les frères Harper, à la tête du groupe de presse « Harper & Brothers » (publications plutôt populaires) qui décident de lancer aux États-Unis un magazine de mode hebdomadaire (il deviendra mensuel en 1901), sur le modèle d’une revue berlinoise de l’époque, Der Bazar.

Ce magazine s’adresse essentiellement aux femmes et est destiné à les instruire en matière de mode, de société, d’art et de littérature. Les Harpers en confient la rédaction à Mary Louise Booth qui, pour l’époque, était une femme engagée, aux idées très avancées : elle était journaliste, abolitionniste, suffragiste et partisane de l’union lors de la guerre civile américaine. Elle était également francophile et dès les premiers numéros, elle accorda une grande place à la littérature en publiant des nouvelles de Charles Dickens et de Wilkie Collins.
 

En 1913, le magazine est racheté par le magnat de la presse, William Randolph Hearst, qui passe un contrat d’exclusivité avec le dessinateur russe de Tirtoff, dit Erté (suivre ce lien), qui est proche de Bakst et des Ballets russes (suivre ce lien).

Le magazine entre dans la modernité avec l’arrivée, en 1934, en tant que rédactrice en chef, de Carmel Snow qui confère une importance accrue à la photo en engageant le photoreporter Martin Munk qui, grâce à la photo instantanée donne une image dynamique de la mode.
 

Portrait de Carmel Snow rédactrice en chef de 1934 à 1957 par Cecil Beaton.
 

Carmel Snow, francophile elle aussi, s’entoure d’artistes français : le poète, illustrateur Jean Cocteau, le décorateur Christian Bérard, le peintre Raoul Dufy.

Avec le développement du sport et de la vie en plein air, elle donne une nouvelle image de la femme qui, grâce à la photographie, court, vole…

Elle se montre femme engagée en faisant part de ses vues sur la place des femmes au travail, sur la condition des artistes afro-américains et sur les dures conditions de vie dans les quartiers pauvres des grandes villes. En 1939, elle fait appel au photographe Walker Evans qui avait déjà été employé par le Ministère de l’Agriculture américain pour illustrer les conditions de vie dans l’Amérique rurale durant la grande Dépression.

Le slogan de Snow est d’être en phase avec son temps et pour ce faire, elle s’entoure de précieux collaborateurs : Alexey Brodovitch, à qui elle confie la direction artistique et Diana Vreeland, qui devient chroniqueuse et donne libre cours à son excentricité dans ses chroniques « Why don’t you »

Avec Carmel Snow ce ne sont plus seulement les modèles qui font la couverture de la revue mais aussi les personnalités de l’époque telles que Gloria Vanderbilt, Marella Agnelli qui posent pour un jeune photographe de 21 ans, Richard Avedon dont on connaît la carrière accomplie depuis. Ce photographe inventif et perfectionniste travaillera pendant 20 ans pour « Harper’s Bazaar », passant beaucoup de temps à Paris pour illustrer la série « Paris Report » de Carmel Snow, rubrique qui donne une image d’un Paris de rêve et d’élégance mais l’artiste sait aussi délaisser les beaux quartiers pour afficher les quais de la Seine, de vielles façades et des boutique anciennes.

Pendant les années de guerre, Paris n’est plus au coeur de la mode et le magazine se replie sur l’Amérique, ses artistes et ses nouvelles tendances vestimentaires, telles que le sportswear.

De retour à Paris après la guerre Carmel Snow est éblouie, en 1947, par la collection du jeune Christian Dior ; elle lui dira « Your dresses have such a new look ». « New Look » est justement le nom qui désignera la nouvelle mode.

Elle sera ensuite séduite par le couturier Balenciaga et son admirateur Givenchy qui habillera Audrey Hepburn : on voit justement dans l’exposition un extrait du film de 1957 de Stanley Donen « Funny Face » dans lequel Hepburn joue le rôle d’un modèle posant, à Paris, pour un photographe interprété par Fred Astaire, dont le personnage s’inspire du photographe de « Harper’s Bazaar », Richard Avedon.
 

Dans les années 60, la revue s’enrichit d’un nouvel illustrateur Andy Warhol et fait une large place aux tendances artistiques de l’époque : le Pop Art et l’Op Art.

La conquête de l’espace à la fin de la décennie donne une nouvelle image de la femme qu’illustrent très bien les stylistes André Courrèges et Paco Rabanne.

C’est à cette époque que Warhol réalise une de ses célèbres sérigraphies, celle d’Yves Saint Laurent.

Portrait d'Yves Saint Laurent par Andy Warhol  1972 - © Musée Yves St Laurent.
 

Dans les années 70 à 90, les couvertures du magazine sont souvent consacrées à des stars de cinéma (Farrah Fawcett, Brooke Shields, Sophia Loren, Andie MacDowell, Isabelle Rossellini…).

Lorsque Liz Tiberis en devient la rédactrice en chef en 1999, elle recentre la revue sur l’élégance et accorde davantage d’importance aux créateurs américains (Calvin Klein) et italiens (Versace, Armani).

Dans les années 2000, retour aux stylistes européens avec la nouvelle rédactrice en chef, Glenda Bailey qui donne une grande place à Galliano, Gaultier, Lagerfeld, McQueen…

Cette exposition qui suit l’ordre de parution du magazine, montre bien que Harper’s Bazaar s’est fait depuis 1867 l’illustrateur des tendances artistiques (mode, art, photographie, littérature…) de chaque période et de quelle façon il a influencé les arts.

Dans les salles des galeries de la mode sont regroupées la plupart des couvertures du magazine (dans leur ordre de parution), des extraits de films, des photos-cultes, des tableaux et des vêtements (la plupart appartenant au fonds du MAD ou à la Fondation Bergé – Saint Laurent).

L’exposition souligne que Harper’s Bazaar a contribué à la consécration d’artistes déjà célèbres comme Erté et au lancement de jeunes artistes comme Avedon et Warhol et reste un magazine incontournable de la mode après 150 ans d’existence.

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MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS
 

107, rue de Rivoli
75001 Paris

Ouvert tous les jours sauf le lundi de 11 h à 18 h
 

jusqu'au 14 juillet 2020

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En raison de la crise sanitaire actuelle nous n'avons aucune certitude que le public sera en mesure de visiter  cette exposition censée se terminer le 14 juillet 2020 ou si celle-ci sera prolongée à la rentrée

H de Touluse-Lautrec - Panneau de la baraque de La Goulue à la Foire du Trône - La danse mauresque - 1895 © RMN Musée d'Orsay.
 

« Toulouse-Lautrec, résolument moderne »
au Grand Palais

 

Après la grande monographie qui lui avait été consacrée en 1992 au Grand Palais, on  retrouve Henri de Toulouse-Lautrec dans les Galeries nationales, avec quelque 200 œuvres illustrant ses talents tant de peintre que de dessinateur, d’affichiste que d’illustrateur. C’est peu quand on sait qu’il a laissé à sa mort 737 peintures, 275 aquarelles, 369 lithographies et plus de 5.000 dessins mais la sélection et la rareté de certaines œuvres valent un déplacement.
 

   
           H. de Toulouse-Lautrec - La grosse Maria - 1894 - © Von der Heydt Museum               -           Le Cirque Fernando, écuyère - 1888 - © Art Insitute Chicago.

Certaines de ses huiles ont malheureusement disparu et l’affichiste de génie continue à faire un peu d’ombre au peintre… C’est bien regrettable car il devient très difficile de pouvoir regarder ses plus célèbres tableaux, partis à l’étranger pour la plupart. Le musée d’Albi qui lui est dédié (le très beau Palais de la Berbie) a fait un grand effort en prêtant ses œuvres phares, comme le Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Nationale de France (qui a reçu en legs de la mère de l’artiste 371 lithographies, suivies par le fonds de son ami d’enfance galeriste et exécuteur testamentaire Maurice Joyant). Le Musée d’Orsay a participé avec de belles œuvres : «  Femme se coiffant »,  « Femme au boa », « Rousse à sa toilette », « La clownesse Cha-U-Koo », « Seule », « Le lit », etc. Le Musée des Arts décoratifs et celui des Beaux Arts de Paris ont été aussi mis à contribution.
 

  
     H de Toulouse-Lautrec Femme rousse à sa toilette - 1896 - © Musée d'Orsay                                            H de Toulouse-Lautrec - Portrait de Van Gogh pastel - 1887 - © Van Gogh Museum.
 

Il faut aller admirer des œuvres très rarement visibles en France comme son portrait à la craie de Vincent Van Gogh prêté par le musée éponyme d’Amsterdam et d’autres venues de musées allemands (« La grosse Maria »,…), de Budapest. (« Ces dames au réfectoire »), de Madrid ou Copenhague (« Monsieur Delaporte au Jardin de Paris »). Clou de l’exposition, le portrait d’Yvette Guilbert chantant  « Linger, Longer, Loo » a été prêté par le Musée Pouchkine de Moscou et le Museu de Arte de Sao Paulo s’est défait de plusieurs chefs d’œuvres dont le fameux « Paul Viaud en tenue d’amiral du XVIII^e siècle » et un intérieur du salon du « Divan ».
 

H de Toulouse-Lautrec - Portrait d'Yvette Guilbert chantant "Linger, Longer, Loo" - 1894 - © Musée Pouchkine Moscou - Archives Alinari Florance - Dist RMN
 

Contribution exceptionnelle des musées américains de New-York,  Pittsburg, Philadelphia  et des J. Paul Getty Museum et County Museum of Art de Los Angeles. Merci à la National Gallery of Art de Washington pour ces deux portraits magnifiques : la flamboyante rousse Carmen Gaudin (un de ses modèles préférés car il aimait les femmes qui ont « la tête en or ») et la serveuse Jeanne Wenz. Merci à The Art Institute de Chicago pour le prêt de trois œuvres majeures : « Au Moulin Rouge », «Au bal du Moulin de la Galette » et « Au cirque Fernando, l’Ecuyère »* (toile exceptionnelle qui avait été présentée à Bruxelles au « Salon des XX » en 1888.)
 

H de Toulouse-Lautrec - La Blanchisseuse (Carmen Gaudin) - 1889 - © Collection particulière.
 

FAIRE VRAI ET NON PAS IDÉAL
 

Le choix de mettre en avant son côté « résolument moderne » est très pertinent (bien que les encadrements du XIX^e siècle retenus soient très fatigués et peu en adéquation avec les œuvres). Élève de Fernand Cormon (avec Vincent Van Gogh), admirateur éperdu de son voisin dans le 9^e arrondissement** Edgard Degas (qui l’intimidait) (suivre ce lien) et de Manet***, celui qui écrivait en 1883 « Vive la Révolution ! Vive Manet ! » a vite fait le choix d’un naturalisme expressif, « un résumé  d’existence physiologique et sociale ».
Lautrec voulait à dix-sept ans  « faire vrai et non pas idéal » quitte à déplaire. Comme il le fit en 1894 avec une affiche superbe mais trop caricaturale refusée par Yvette Guilbert pour son spectacle aux Ambassadeurs : « Pour l’amour du ciel, ne me faites pas si atrocement laide ! Un peu moins ! ». Lautrec a fait partie du clan des « impressionnistes du petit boulevard » avec son ami Van Gogh (suivre ce lien). Son talent influencera Egon Schiele et Pablo Picasso (périodes bleue et rose).  

H. de Toulouse-Lautrec - Femme tirant son bas - 1894 - © RMN Musée d'Orsay.
 

Beaucoup de ses huiles ne traitent que l’essentiel du sujet, laissant le fond et des parties volontairement inachevées afin de mieux faire ressortir le sujet et le mouvement qui l’intéressent. Il nous fait participer à la vie des cabarets, des bistrots et des bordels de Montmartre en mettant en avant le potentiel poétique de ce Paris canaille. Il nous ouvre les maisons closes côté filles avec leur fatigue, leur côté désabusé, leur laisser-aller au repas ou à la toilette.
Chez lui, les sujets ne sont jamais ni idéalisés ni stigmatisés. Son style incisif  et caustique est toujours  respectueux de la réalité. C’est sa modernité. Lautrec aime cerner et épurer (sous l’influence des maîtres japonais), cadrer de façon audacieuse (comme Degas), adopter des angles de vision jamais encore expérimentés, faire éclater des couleurs fortes. Pour son ami le critique d’art Félix Fénéon, il « fout dans la turne un trafalgar de couleur et de rigolade » (…),  qui annonce le fauvisme.
 

H de Toulouse-Lautrec - Panneau de la baraque de La Goulue à la Foire du Trône  - 1895 © RMN Musée d'Orsay.
 

Ah ! les gants noirs d’Yvette Guilbert et les jambes de Jane Avril dansant un chahut (qui deviendra le cancan)…  Émouvant ce portrait en pied de « tapir le scélérat » quittant la Comédie Française, le dégingandé Gabriel Tapié de Céleyran, ce cousin tant aimé amateur de voitures et compagnon permanent de plaisanteries potaches… Émouvants les deux grands panneaux (huiles sur toile) qu’il peignit en 1895 pour habiller la baraque de son amie La Goulue (en fin de carrière) à la Foire du Trône, toiles délavées, découpées, remontées, bien marquées par les intempéries, qui font partie des collections d’Orsay.  
 

H. de Toulouse-Lautrec - L'anglaise du Star au Havre - 1895 - © RMN Musée d'Orsay.
 

Des salles sont consacrées à son talent d’illustrateur. Lautrec était l’ami de la plupart des écrivains de son temps même si Zola, Huysmans ou Edmond de Goncourt ne l’appréciaient pas. Thadée Natanson et son épouse Misia Godebska (suivre ce lien), égérie des Nabis, le font travailler à « La revue blanche » (1 rue Laffitte). J’ai aimé le dessin réalisé pour un double programme du Théâtre de l’Œuvre (1896), où il représente les deux auteurs, Oscar Wilde pour « Salomé » (interdit de représentation à Londres) à côté de Romain Coolus pour « Raphaël ». Lautrec était apprécié des critiques d’art de son temps et il n’avait rien d’un artiste maudit. Plusieurs livres élogieux lui seront consacrés par ses contemporains après sa mort.

Des photographies d’époque, où il se met souvent en scène avec humour, accompagnent toute l’exposition. Lautrec profitera de cette « technique » naissante pour peaufiner son art de traduire le mouvement. Personnage très attachant, il ne se départira jamais ni de son humour ni de sa bienveillance. Une place importante a été donnée aux photographies du spectacle inédit de la danseuse américaine Loïe Fuller aux Folies Bergère (joué en novembre 1892), avec des effets de voiles tourbillonnants colorés par des projecteurs. Lautrec en réalisera de belles lithographies stylisées.

Il faut découvrir tout cela. Vous avez le temps. L’exposition, qui a ouvert ses portes le 9 octobre, ne les refermera que le 27 janvier 2020

Anick PUYÔOU
 

Plus d'information encore sur Toulouse-Lautrec en suivant ce lien.

* Le cirque Fernando s’était installé en 1873 sur un terrain vague à l’angle de la rue des Martyrs et du boulevard de Rochechouart. Il deviendra le cirque Medrano en 1897 puis le Cirque de Montmartre en 1973, avant de laisser place à l’immeuble « Le Bouglione » (décoré depuis peu de fresques représentant des dessins d’enfants évoquant le cirque réalisés dans les écoles locales).

** Ses adresses successives à Montmartre : l9 bis rue Fontaine, 27 rue Caulaincourt, 19 rue Fontaine, 21 rue Fontaine, 27 rue Caulaincourt, 5 avenue Frochot. Entre 8 et 10 ans, Henri a fréquenté le lycée Fontanes (futur lycée Condorcet).
À noter : dans le catalogue (bilingue) de l’exposition une biographie de Stéphane Guégan fait désormais autorité (lieux et dates).

*** En mars 1890  Henri de Toulouse-Lautrec a participé à la souscription qui visait d’acheter « Olympia » pour faire entrer l’œuvre de Manet dans les collections nationales.

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GRAND PALAIS GALERIES NATIONALES

3 avenue Général Eisenhower
75008 Paris

Ouvert tous les jours sauf le mardi de 10h à 20h
mercredi, vendredi & samedi de 10h à 22 h

du 9/10/2019 au 27/01/2020

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Hélène TANNENBAUM
 

© 9^ème Histoire 2019